Enigm@nline es una plataforma digital de exposiciones y ciclos artísticos concebida con el objetivo de ampliar el acceso a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas a la experimentación sonora, visual y performativa.
Nacida como un espacio expositivo online de acceso gratuito, Enigm@nline propone exposiciones temporales que exploran formatos y lenguajes híbridos como el videoarte, las partituras gráficas, el arte sonoro, la música experimental y otras prácticas transdisciplinares. A través de este entorno digital, la plataforma ha acogido trabajos de artistas como Llorenç Barber, Maria de Alvear o Eduardo Polonio, entre otros, poniendo en diálogo generaciones, disciplinas, contextos geográficos y modos de creación diversos.
Más que un archivo, Enigm@nline se plantea como un espacio vivo de encuentro, investigación y difusión, donde la web se convierte temporalmente en lugar expositivo y herramienta curatorial. La plataforma fomenta nuevas formas de percepción y escucha, cuestiona los límites del formato expositivo tradicional y apuesta por la circulación abierta del conocimiento artístico.
Enigm@nline busca así activar un territorio común entre creadoras y creadores, públicos y contextos, entendiendo lo digital no como un sustituto, sino como un medio específico con su propio potencial poético, crítico y experimental.
ENIGM@NLINE
EDICIONES PASADAS
2023
‘Límites de la limitación’. Esta exposición online se centra en las partituras gráficas de Alemany, bien en su formato impreso o digital, en sus partituras intervenidas en las que el gesto se apropia del discurso, o en sus miniaturas interpretativas donde las formas se vuelven sonoras.
Una obra que surge del cruce, de lo multidisciplinar a lo transdisciplinar. Creaciones donde los géneros se mezclan a través de la búsqueda de nuevos medios de expresión.
Joan Gomez Alemany
Eduardo Polonio
‘EDUARDO POLONIO. UNA POSIBLE RETROSPECTIVA’ es una exposición centrada en uno de los pioneros de la música electroacústica en España: Eduardo Polonio (1941).
Una muestra estructurada en cuatro categorías: 'Fotografías', 'Notación y otras grafías', 'Performances, instalaciones y óperas', y por último 'Obras', con la que recorrer (y homenajear) la obra de un creador en continuo estado de búsqueda.
2022
1. La realidad eléctrica. Arte sonoro latinoamericano
“El espacio y el sonido fueron conceptos importantes en las sociedades prehispánicas, al igual que el uso de los espacios públicos para actividades comunitarias y expresión artística”, afirman los investigadores Mario Duarte y Emma Wilde.
Cada país, cada ciudad -citando a Francesc Daumal- tiene su propia huella dactilar sónica, es decir, cada ciudad tiene su propio rastro sonoro con el que identificar su cultura, arquitectura o historia.
Siguiendo esta idea, la primera propuesta de Enigma@nline se centra en explorar el arte sonoro latinoamericano actual por medio del trabajo de artistas de Colombia, Argentina, México, Brasil o Costa Rica. A través de la realidad eléctrica del arte sonoro, la electroacústica, el paisajismo sonoro social, o la lutería electrónica, nos acercaremos a las realidades sociales y artísticas contemporáneas latinoamericanas.
Obras que hacen uso de antiguos teclados y tecnologías obsoletas en una suerte de alquimia analógico/digital; otras en las que la base es escudriñar el (propio) interior del artista; pianos infinitos expandidos en el espacio; u obras que se centran en la realidad de los niños que trabajan en los campos de café en México.
Un caleidoscopio de propuestas, sonidos, y formas de sonar, para celebrar y reivindicar el arte sonoro latinoamericano.
Esta muestra ha sido comisariada en colaboración con el compositor e investigador Mario Duarte.
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Tempus Pacha
La obra explora el concepto de identidad, a partir del Tiempo como eje transversal de reflexión.
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Scraping My Pain, Then I Heal
La obra explora la textura como dimensión tímbrica, la cual permite la asociación entre materialidad y metáfora.
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Cuerpo Mutable
Este proyecto plantea una exploración a través del autorretrato, mediante un proceso de búsqueda primariamente individual y posteriormente colectiva, con un componente trans-disciplinar, utilizando herramientas digitales.
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Xolar
Este proyecto es un instrumento electrónico intervenido mediante técnicas de circuit bending. Se basa en un antiguo teclado Casio adquirido de segunda mano, que fue restaurado y modificado.
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Estudo em nylon - linhas de fuga
Una instalación performativa donde un piano se expande en el espacio usando nailon.
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Migrante
Una obra audiovisual que busca poner en relieve las experiencias de los niños y adolescentes migrantes que han viajado a México.
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Simulacrum
Una actuación que utiliza técnicas de feedback y retardo de cinta para crear un universo de saturación de cinta, ruido y artefactos sonoros.
2. Chuse Fernández. Recorridos sonoros
«Zaragoza suena a multiculturalidad y a cierzo. Ese viento innato de la ciudad», afirma el zaragozano Chuse Fernández (1963), una de las principales figuras del arte sonoro en nuestro país.
Chuse Fernández, creativo radiofónico y diseñador sonoro aragonés, es experto en creatividad radiofónica y semiótica acústica. Su trabajo, relacionado con la creación sonora aplicada a la comunicación y al soundscape, le ha llevado a ser premiado con el Premio Ondas en 2012, y el AERO en 2014 a la creatividad radiofónica.
Ha realizado programas de experimentación radiofónica para emisoras como Radio Nacional de España, Antena 3 o Radio 80. Sus trabajos se escuchan en RADIA, la red internacional de radios experimentales, y en festivales como SONODOC, SONOR en Nantes (FR) o 60 secondes de Radio en Canadá.
La muestra “Chuse Fernández. Recorridos sonoros”, se centra en una serie de trabajos de soundscape que Fernández realizó en 2011 sobre el ruido en Zaragoza a través de diferentes recorridos sonoros que se han convertido en un archivo sonoro histórico de la ciudad, con algunos sonidos ya extintos. La muestra se completa con otros trabajos más experimentales relacionados con el arte sonoro.
Audioperformance para 48 cube
Un trabajo de mezcla sonora para una performance sonora con la voz de Luis Trébol, interpretando 16 poemas de diferentes autores dentro del proyecto 48CUBE, desarrollado en ETOPIA Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza el 4 de noviembre de 2020.
Sobre una composición original del grupo Prana-Yama (Sunbearn in the morning) se crea, usando diversos efectos sonoros, un ambiente onírico en el que todo es susceptible de cambio. Evaporando inquietudes y difuminando sensaciones.
Evapo-radio (2011)
2021
Llorenç Barber
“Las partituras sonaron solas, sin intérprete que las leyera. Se pusieron a dar sus conciertos con tan sólo mirarlas. Y esa autonomía lo pulverizó todo”, explica el propio Barber en relación a sus músicas visivas.
Llorenç Barber (1948) es sin duda uno de los músicos y artistas más singulares de nuestro país. Músico heterodoxo, ha desarrollado una extensa obra tanto musical como teórica en favor de (re)pensar lo sonoro. Pionero del minimalismo y el arte sonoro en España, Barber fue fundador del grupo de “acción sónica” Actum (1973), y del Taller de Música Mundana (1978).
Sus reflexiones sonoras le han llevado a la creación de los ya célebres Conciertos de Ciudades o Concierto de Campanas, en los que los campanarios de una ciudad son el instrumento de la obra. “[Tocando desde un campanario] no oyes nada, estás dentro del sonido, tú mismo eres sonido, eres el sonador sonado”, explica el propio Barber.
Las Músicas Visivas son un espacio libre en el que el espectador, independientemente de su nivel musical, se convierte en intérprete, para que finalmente, como explica Barber “la gente se escuché a sí misma”.
Maria de Alvear
Maria de Alvear (1960), compositora, musicóloga y artista multidisciplinar, ha desarrollado su trabajo a través de la interacción entre artes. Alumna de Mauricio Kagel, su obra va desde composiciones instrumentales a instalaciones, videoarte, performance, o trabajos para documental y radio.
Galardonada con el Premio Bernd Alois Zimmermann (1992) y el Premio Nacional de Música (2014), las obras de Maria de Alvear han sido interpretadas por los más relevantes conjuntos europeos como el Ensemble Modern, Basel Sinfonietta, Ensemble Musikfabrik, entre otros.
Este ciclo presenta los primeros trabajos de videoarte de Maria de Alvear. Una oportunidad ideal para conocer, 30 años después, sus primeros trabajos en este campo, y que según sus propias palabras “representan muy bien mis preocupaciones durante los años 80”.
La religión y su relación con el arte; la obsesión, la alegría o el sexo, son temas sobre los que giran los cinco vídeos que conforman este ciclo, y que suponen una suerte de radiografía de la evolución e intereses de la autora durante los 14 años que separan el primer vídeo del último.
